Biografía:
Clyfford Still nació en Grandin, Dakota del Norte, el 30 de noviembre de 1904, fue uno de los pioneros dentro del expresionismo abstracto, su trabajo es reconocido por estar inscrito en el estilo color field, del cual también es precursor, al lado de Mark Rothko y Barnett Newman. Este estilo se caracteriza por la intervención de grandes lienzos generando una composición de campos cromáticos, en los cuales, los colores no se cortan ni se sobreponen, la yuxtaposición de una pequeña cantidad de colores generan un contraste fuerte y a su vez armoniosos, también es notable el gran papel que juega el azar y el rechazo por las líneas rectas. Su acercamiento con la pintura fue de manera muy empírica y alrededor de 1910 su familia se mudó a Canadá, donde empieza a pintar paisajes. Más tarde estudiará brevemente en las universidad de Art Students League de Nueva York y en el Washington State College y ejercerá cómo docente durante varios años.
Si bien Still es un artista creyente en el individualismo y en la responsabilidad que acarrea la creación artística del hombre, cómo un universo subjetivo libre de cualquier convención, en sus estudios se sumerge en el trabajo de paul cezanne, al igual que recibe influencias de otros artistas tales cómo; Turner, Matisse y Gauguin.
A partir de 1934 empieza toda una exploración por parte del artista y las siluetas se empiezan a sintetizar, las formas ya no responden a representaciones fidedignas y la gama de colores se ve reducida a una pequeña cantidad de tonalidades.
PH-414, 1934-1935 Óleo sobre lienzo,
En el invierno de 1946 Still celebra su primer exposición individual, en la galería Art of This Century de Nueva York, en el cual los textos introductorios del catálogo son una exaltación a la labor precursora de su obra dentro del expresionismo abstracto, dicho texto es elaborado por Rothko, el cual se refiere así de su colega “ Still ha creado un nuevo mito genérico. cómo el mismo (Still) ha expresado, sus pinturas son de la tierra, los condenados y los resucitados. Ha transformado cada forma en una entidad orgánica que invita a multiplicidad de asociaciones”[1]. Fue un artista polémico en el concepto de su obra puesto que no estaba de acuerdo con los nombres de sus pinturas y tampoco permitía que desde la crítica sus obras fueran amarradas a un solo concepto y esto frustrara su tarea para crear metáforas visuales de lo sublime. Clyfford Still falleció en Baltimore el 23 de junio de 1980 y a lo largo de su carrera, realizó numerosas exposiciones y desarrolló una gran cantidad de obras, que se encuentran en diversos museos en Estados unidos, pero alrededor del 95% de sus obras se encuentran en el Clyfford Still Museum.
Análisis y critica de su obra.
Con la obra de Still, es descubrir un estilo que va acorde a un momento histórico que está marcado por toda una movida política, que se da en estados unidos y que potencia a el expresionismo abstracto, pero en cierto modo se enfatiza mucho más en su rama gestual todo esto gracias al protagonismo que ganó pollock, pero si vemos la rama que no era gestual, el color field nos damos cuenta de una riqueza no sólo en cuanto a concepto, sino
también de un estudio técnico que va mucho más allá de separar solo capas de color, obras en las cuales Still va en contra de todo el esteticismo y a los clichés de representación, que eran cosas comunes en temas de muchas obras, este es un artista que va en contra de las vanguardias no sólo por hacerse academicistas, sino también porque su estética y estilo estaban en boga, y esto las hacía ya poco originales “mientras desdeñaba a los cubistas, Still se inspiraba en otros artistas, a pesar que procuraba evitarlos a todos” [1] Still era un artista que si bien tenía referentes cómo Turner y Matisse, artistas de una obra colorista, él quería generar su propio contenido acorde a su experiencia y su contexto histórico, obras que nos acercan a lo sublime por su grandeza y también porque son colores tan profundos en extenso lienzo que logran sumergir al individua en una nueva experiencia que confronta su propia existencia: Sus obras están compuestas de planos de colores, que no se cortan ni se intersecan, colores que él buscaba liberar de cualquier asociación con la realidad y con elementos simbólicos que la amarren.
“En las escasas direcciones en las que pudimos fijar la vista durante la década de 1920, ya fueran culturas pasadas o nuestros propios mitos sociales, estéticos o científicos, era evidente que existían pocas respuestas válidas para la introversión o la imaginación. La niebla ha sido espesada, y no disipada por aquellos que… buscaban en el viejo mundo los medios de prolongar su autoridad en esta nueva tierra”. [2]
En sus inicios se ven obras figurativas de retratos y paisajes, cargadas con gran detalle, para ir transformando su trabajo gradualmente, pasando por las tendencias clásicas de la academia Americana, en la cual el nacionalismo es un tema quizás trillado pero no se puede desconocer cómo un referente de trabajo para el y muchos artistas, la exploración lo lleva a sintetizar las figuras y aplicar influencias primitivistas, que son su punto de partida para ingresar a la abstracción, en sus inicios una abstracción gestual y finalmente abocaría su trabajo a la tendencia color field
En gran medida su contexto social está enmarcado en el ambiente de la guerra y la posguerra, con factores económico cambiante puesto que le toca la gran depresión de 1929, período en el cual prestaba sus servicios cómo docente. Contó con el apoyo de Mark Rothko, con el cual entablo una gran amistad, y lo ayudó a ingresar en el círculo del arte Norteamericano, conociendo así a Peggy Guggenheim y Betty Parsons, muy importantes en las esferas del arte Americano.
En la obra PH-751 de 1944 vemos cómo la figura se sintetiza casi en su totalidad mostrándonos solo mínimos aspectos que nos dan referencia, sólo porque los relacionamos a manos y ojos, son figuras casi totémicas en las que se ve una fuerte influencia primitivista, también se ve una paleta de color reducida, y un gesto fuerte, en gran medida se podría decir que es casi autómata.
Ya en la obra PH-455, de 1949, vemos la evolución en su trabajo y a diferencia de Rothko, los campos cromáticos no tienen ningún tipo de verticalidad ni de horizontalidad, es una ejecución cargada de aleatoriedad y azar, desaparece toda relación con la realidad, y los colores no se cortan y generan un contraste que le da fuerza a la composición, y la pincelada es fuerte y poco prolija.
[1]SANDLER, Irving. El triunfo de la pintura norteamericana. Historia del expresionismo abstracto. Madrid: Alianza Editorial, 1996. pp. 132.
[2] Clyfford Still
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